Fatal Assistance (2013)
By Alan McLane-Alejos
In the wake of Haiti´s devastating earthquake in January 2010,broadcast images around the globe were focused on showing collapsed buildings along with debris and human bodies scattered all over the streets in the aftermath. They are raw reminders of the tragedy indeed, but also the background of another storm yet to come. Raoul Peck´s approach mainly focuses on questioning whether all international financial and logistical help under the Interim Haiti Reconstruction Commission (IHRC) created in order to coordinate all the international financial and logistical help and under former US President Bill Clinton´s direction, really succeeded on the task. Eventually he plot is driven to a dead end alley, as geopolitics intentions jump into the scene and the real solutions for the Haitian people seem to be out of the agenda.
At times Fatal Assistance seems to be only a collage of unresolved issues around the obvious social distress and lacks in providing further arguments that reflect the complexity of the situation. Even the fact that blaming on Clinton´s misleading intentions may produce a sort of tension around the characters involved in the story, it blocks the narrative in one side of the social drama. A voice over conversation between a western volunteer who returned from Haitian and the audience vaguely conveys a poetic side of the story and while attempting to address the grim situation, only delivers frustration and hopeless mood for Haiti´s future.
At times Fatal Assistance seems to be only a collage of unresolved issues around the obvious social distress and lacks in providing further arguments that reflect the complexity of the situation. Even the fact that blaming on Clinton´s misleading intentions may produce a sort of tension around the characters involved in the story, it blocks the narrative in one side of the social drama. A voice over conversation between a western volunteer who returned from Haitian and the audience vaguely conveys a poetic side of the story and while attempting to address the grim situation, only delivers frustration and hopeless mood for Haiti´s future.
A Perfect Match Between Painting and Film: Marie Krøyer (2012)
By Alan McLane-Alejos
By Alan McLane-Alejos
The last time I watched a film from Danish director Bille August was Les Misérables (1998) and as I recall, its visual settings were designed in order to align as much as possible the narrative structure along with characters’ emotional development. The same impression is there after watching Marie Krøyer (2012) at the Scandinavia House as part of its exhibition of Danish Paintings: From the Gold Age to the Modern Breakthrough. http://www.scandinaviahouse.org
In general terms, Danish art scene during the Romanticism period had to find its own path and inner voice despite being strongly influenced by French and other European trends. By walking through the exhibition´s last gallery section an impressive set of canvas were largely devoted to the daily lives of people and to a greater extent, to the need of exploring deep human feelings and intimate moods. From a pure visual perspective the film projects an exquisite mood; its well-crafted settings, angles, visual composition and delightful cinematography by Dirk Brüel is a key element to be considered for a whole pleasure. The self-awareness of the characters that lived in the paintings plays an important role in August´s approach to the adaptation of Anasstasia Arnold book: Balladadem om Marie, and by having adapted previous novels into cinematic language, has made Billie August to take a similar approach.
In general terms, Danish art scene during the Romanticism period had to find its own path and inner voice despite being strongly influenced by French and other European trends. By walking through the exhibition´s last gallery section an impressive set of canvas were largely devoted to the daily lives of people and to a greater extent, to the need of exploring deep human feelings and intimate moods. From a pure visual perspective the film projects an exquisite mood; its well-crafted settings, angles, visual composition and delightful cinematography by Dirk Brüel is a key element to be considered for a whole pleasure. The self-awareness of the characters that lived in the paintings plays an important role in August´s approach to the adaptation of Anasstasia Arnold book: Balladadem om Marie, and by having adapted previous novels into cinematic language, has made Billie August to take a similar approach.
The main plot of the film is more focused on the love and hate relation and of Marie Krøyer with his husband, the well-known painter Peter Severin Krøyer who also denies Marie´s right to be an individual by mocking of her artistic inspirations. Peter Asmussen´s screenplay also delivers a sense of premonition as Marie follows her personal path emancipation and due to the historical view of women´s role in society this decision will confront conservative sides of Danish society. Within this framework is where August will define his misé en scene. One could argue that there is too much beauty in the paintings as well in the film´s scenes to ignore a dark reality. Indeed the desire of capturing intimate moments of life just like PS Krøyer and other painter were exploring is a reminder that invisible boundaries between artistic visions and true realms of emotions are connected in real life.
Nordic Cinema at Guadalajara International Film Festival
By Alan McLane-Alejos
Since early times of cinema, nordic stories have portrayed a unique and delightful cinematic experience. National cinemas of Sweden, Norway, Denmark, Finland and Iceland reflect the evolution of the medium by establishing global visual trends. Films from auteurs such Ingmar Bergman, Jan Troel, and Lars Von Trier to name a few, have been regarded as trademark devices that explore any discourse between mainstream and avant garde styles. Among other features, Scandinavian misé en scene is gifted with powerful visual settings, twisted plots, remarkable characters as well a strong sense of regional identity where cultural atmosphere is accurate depicted. During my attendance to the 2013 Guadalajara International Fim Festival, I had to deal with a massive dilemma: to get the chance to watch the whole nordic cinema program or just pick some random titles. I did the second and here are few impressions that I´d like to share.
90 minutes
Dir. Eva Sørhaug (2012)
A powerful tour de force where three parallel stories are developed around male violence. Anxiety levels exposed by the characters hit its pike and will transform the plot into a deep reflection towards misogyny.
Dir. Eva Sørhaug (2012)
A powerful tour de force where three parallel stories are developed around male violence. Anxiety levels exposed by the characters hit its pike and will transform the plot into a deep reflection towards misogyny.
Seven Minutes at the Varsaw Ghetto (2012)
Dir. Johan Oettinger
A well-crafted danish shortfilm and also a homage to the chezck puppet animation school and the Quay Brothers ‘style. A unique perspective on the jewish prisoners at World War II narrative with a dark plot twist.
Dir. Johan Oettinger
A well-crafted danish shortfilm and also a homage to the chezck puppet animation school and the Quay Brothers ‘style. A unique perspective on the jewish prisoners at World War II narrative with a dark plot twist.
The Walker (2012)
Dir. Eero Heinonen
Filled with a spiritual plot and also driven by singer Tanya Wells´s mystical voice, this film is clearly an emotional portrait of modern man´s inner concerns toward self-awareness and the universal sense of dejá vu in order to build a better world.
Dir. Eero Heinonen
Filled with a spiritual plot and also driven by singer Tanya Wells´s mystical voice, this film is clearly an emotional portrait of modern man´s inner concerns toward self-awareness and the universal sense of dejá vu in order to build a better world.
Walker from Ville Tanttu on Vimeo.
El Hobbit. Un Viaje Inesperado (2012)
Por Alan McLane Alejos
Varias imágenes toman forma después de haber disfrutado
en pantalla de El Hobbit. Un viaje Inesperado (2012). Por un lado satisfecho de
regresar a la Tierra Media después de 12 años y haber confrontado diversas emociones
y expectativas por la espera. Por el otro lado, inquieto por conocer la reacción que tendrán los distintos
públicos formados a partir de la última
entrega de la saga del Señor de los Anillos. Me imagino a fans reivindicados, orcos
cinéfilos que verán cristalizados muchos sueños tolkenianos en
pantalla.La producción de esta nueva película estuvo bajo el escrutinio mediático desde que se tuvo noticias de su existencia y cobró mayor cobertura que supuso la incorporación de Guillermo del Toro al proyecto. A deslindarse de la dirección, el rol del director mexicano lo ubicamos como un co-guionista y consultor creativo. Al mismo tiempo, Peter Jackson mantuvo informados a los fanáticos y prensa sobre los avances de El Hobbit mediante 9 video blogs que vale la pena revisar para ahondar en detalles creativos y técnicos, como por ejemplo el ver en plena dirección de la segunda unidad a Andy Serkis (Gollum).
Para disfrutar esta nueva entrega de Peter Jackson sobre el universo de J.R R. Tolkien, hay que prepararse para un viaje nostálgico por las atmósferas mágicas de la Tierra Media: Hobbiton, El Río Brandivino, Rivendell y al mismo tiempo de ir acompañados nuevamente por personajes como Gandalf (Ian McKellen), Galadriel (Cate Blanchett), Elrond (Hugo Weaving) entre otros. La historia acontece 60 años antes de El Señor de los Anillos en donde Bilbo Baggins (Martin Freeman) es visitado por Gandalf junto con 13 enanos en una misión por recobrar su hogar ancestral perdido y tomado por el legendario dragón Smaug. La genealogía de la raza de los enanos es el hilo conductor que paulatinamente se irá conectando con otras genealogías y con los eventos que ya conocemos en The Lord Of The Rings. Insisto, El Hobbit es revisitar por casi 3 horas el mapa cinematográfico de Nueva Zelanda a través de la mirada fantástica de Tolkien. Y como también sucedió en TLOR, los guionistas se enfrentaron al reto de adaptar y sustraer información importante que los expertos en la obra de Tolkien podrán identificar.
Por otro lado, es importante destacar que Peter Jackson inaugura una tendencia en el aspecto tecnológico, pues El Hobbit se grabó con el nuevo formato 3D de Imagen de Alta Frecuencia (3D HFR) a una velocidad de 48 cuadros por segundo, el doble del estándar de la industria y que promete una experiencia cinematográfica digital más cercana a la vista humana. Hay que ser un verdadero fan de la obra de J.R.R. Tolkien, ya que al igual que la primera trilogía, la extensión del libro se expandirá en 3 películas: El Hobbit: Un Viaje Inesperado (2012), El Hobbit: La desolación de Smaug (2013) y El Hobbit: Un Historia de Ida y Una Vuelta (2014).
“In a hole in the ground there lived a hobbit”
“In a hole in the ground there lived a hobbit”
Cuando la Alegría Llega. NO (2012)
Alan McLane Alejos
NO, la más reciente entrega del director Pablo Larraín e inspirada en la obra teatral “El Plebiscito” de escritor Antonio Skármeta, es una historia con un trasfondo político innegable y que habla de frente sobre los últimos días de la dictadura pinochetista desde las trincheras de las campañas políticas. René Saavedra (interpretado por Gael García Bernal) es un consultor creativo en una agencia de publicidad y es involucrado por un amigo de la familia para darle seguimiento a la franja de TV correspondiente al bloque opositor.
Desde el primer minuto de la película nos adentramos emocionalmente a la época, y de ninguna manera nos son ajenos los colores, el ambiente urbano y los personajes, tal vez conscientes o no de su papel en la historia política y social de su país. Chile, 1988. Después de 15 años en el poder, Augusto Pinochet convoca a un plebiscito para que la ciudadanía decida su continuidad en el gobierno. La maquinaria oficialista produce campañas televisivas para el SÍ y el grupo opositor relacionado con el Movimiento Cristiano opta por el NO.
Abordar cinematográficamente un momento histórico y políticamente cargado en las realidades latinoamericanas, representa un reto para cualquier director, pero en el caso de Larraín, quien previamente había explorado el tema en Post Mortem (2010) y Tony Manero (2008) su propuesta recae en presentarnos una inmersión a los pensamientos y acciones de los involucrados en la lucha mediática e ideológica de los últimos días de la dictadura pinochetista.
Es tal la inmersión gracias a la atinada selección del estilo visual a manera de un video home de los años 80, que al mismo tiempo funciona como un viaje nostálgico a través de una gran selección de imágenes de stock que le imprimen una textura emotiva muy poderosa a la película , e incluso se utilizaron cámaras de video de la época para su grabación. Pablo Larraín explora con un aire honesto un clima social profundamente dividido por la dictadura y logra un acercamiento intimista al contexto de la historia, hecho que se agradece para las audiencias no tan familiarizadas con los sucesos. En lo personal me transporta al mismo ambiente político presente en la cinta Machuca (Andrés Wood, 2004) y sobre todo, es me conecta con las similitudes con México durante las elecciones presidenciales de 1988. NO es una película con un justo balance entre drama y comedia, que inauguró oficialmente la X edición del Festival Internacional de Cine de Morelia FICM 2012 y es la selección de Chile para contender a los premios Oscar del 2013.
Abraham Lincoln Cazador de Vampiros (2012). Una Biografía Remasterizada
Alan McLane Alejos
Una ambivalente sensación se experimenta después de terminar esta película; ya sea un estado permanente de confusión con el verdadero trasfondo de la historia; tal vez la idea de que haya sido una broma, un refinado tratamiento de un argumento digno de la series B, o que incluso se exageró y no se le hizo justicia al presidente estadounidense más emblemático del siglo XIX, pero al mismo tiempo el instinto dicta que ha sido una estimulante y energética experiencia cinemática.
Como en toda adaptación al cine, el material original de la novela de Seth Grahame-Smith quien es el guionista de la versión cinematográfica, queda a deber con varios aspectos claves de la vida secreta de Abraham Lincoln. Grahame-Smith no es nuevo en adaptar ambientes históricos y mezclarlos con las narrativas de la cultura popular. Su aclamado best seller Orgullo y Prejuicio y Zombies en el 2009, le imprimió un sello particular al meloso y opresor siglo victoriano y preparó el camino para historias similares. Al adaptar su propia novela se toma varias libertadas en la historia que se justifican en aras de una narrativa cinematográfica más ágil pero que inevitablemente sacrifica momentos muy originales de la novela. Precisamente esta decisión creativa recuerda al Barnabas Collins remasterizado y retro al estilo Johnny Depp en su guión de Dark Shadows (2012).
Fuera de pretensiones artísticas a las que no necesariamente está ligada esta película, El Cazador de Vampiros trae una bocanada fresca al actual desfile de vampiros light propios de la saga crepúsculo y True Blood entre otros. Visualmente hablando, el hiperkinético estilo de Timur Bekambetov quien se asocia nuevamente con Tim Burton quienes ya habían colaborado en la post-apocalíptica Número 9 (2009), para bombardearnos ahora con un desenfrenado Abraham Lincoln peleando la Guerra Civil Norteamericana en dos frentes: abolir la esclavitud y al mismo tiempo liberar a Estados Unidos de la emergente tiranía vampírica y de paso vengar la memoria de su madre. Guardianes de la Noche (2004) y Guardianes del Día (2006) versión remasterizadas con lo mejor de Wanted (2008). La figura mítica de Abe Lincoln se rescribe con la actuación Benjamin Walker, quien a lo largo de la película me recordó estar viendo una versión rejuvenecida de Liam Neeson, bajo la tutela del vampiro renegado Henry Sturges, personaje interpretado por Dominic Cooper pero al que también se le extrajo su verdadera esencia y sublimes líneas de la novela original.
Como nota final, eventualmente Abe se enfrenta con Adam, el lord vampírico del sur, interpretado en la dimensión de personaje por Rufus Sewell y quien nos recuerda de la universal narrativa entre la luz y las tinieblas siempre tiene varias caras. Abraham Lincoln es un personaje histórico explorado recientemente en el cine, ya Robert Redford comenzó con La Conspiración (2010), Richard Schenkman en el mockbuster Abraham Lincoln Vs Zombies (2012)- reseñado por Operación Kino - y la próxima mega producción de Steven Spielberg Lincoln (2012). Más Abraham Lincoln para rato.
Como en toda adaptación al cine, el material original de la novela de Seth Grahame-Smith quien es el guionista de la versión cinematográfica, queda a deber con varios aspectos claves de la vida secreta de Abraham Lincoln. Grahame-Smith no es nuevo en adaptar ambientes históricos y mezclarlos con las narrativas de la cultura popular. Su aclamado best seller Orgullo y Prejuicio y Zombies en el 2009, le imprimió un sello particular al meloso y opresor siglo victoriano y preparó el camino para historias similares. Al adaptar su propia novela se toma varias libertadas en la historia que se justifican en aras de una narrativa cinematográfica más ágil pero que inevitablemente sacrifica momentos muy originales de la novela. Precisamente esta decisión creativa recuerda al Barnabas Collins remasterizado y retro al estilo Johnny Depp en su guión de Dark Shadows (2012).
Fuera de pretensiones artísticas a las que no necesariamente está ligada esta película, El Cazador de Vampiros trae una bocanada fresca al actual desfile de vampiros light propios de la saga crepúsculo y True Blood entre otros. Visualmente hablando, el hiperkinético estilo de Timur Bekambetov quien se asocia nuevamente con Tim Burton quienes ya habían colaborado en la post-apocalíptica Número 9 (2009), para bombardearnos ahora con un desenfrenado Abraham Lincoln peleando la Guerra Civil Norteamericana en dos frentes: abolir la esclavitud y al mismo tiempo liberar a Estados Unidos de la emergente tiranía vampírica y de paso vengar la memoria de su madre. Guardianes de la Noche (2004) y Guardianes del Día (2006) versión remasterizadas con lo mejor de Wanted (2008). La figura mítica de Abe Lincoln se rescribe con la actuación Benjamin Walker, quien a lo largo de la película me recordó estar viendo una versión rejuvenecida de Liam Neeson, bajo la tutela del vampiro renegado Henry Sturges, personaje interpretado por Dominic Cooper pero al que también se le extrajo su verdadera esencia y sublimes líneas de la novela original.
Como nota final, eventualmente Abe se enfrenta con Adam, el lord vampírico del sur, interpretado en la dimensión de personaje por Rufus Sewell y quien nos recuerda de la universal narrativa entre la luz y las tinieblas siempre tiene varias caras. Abraham Lincoln es un personaje histórico explorado recientemente en el cine, ya Robert Redford comenzó con La Conspiración (2010), Richard Schenkman en el mockbuster Abraham Lincoln Vs Zombies (2012)- reseñado por Operación Kino - y la próxima mega producción de Steven Spielberg Lincoln (2012). Más Abraham Lincoln para rato.